請大膽地說，油畫的“超寫實主義”風格是否體現了“古典美”？

我可以肯定地告訴你，超寫實主義的油畫可以充分體現“古典美”。 因為“古典美”是古典寫實主義油畫的特徵之一，而超寫實油畫是在古典寫實主義的基礎上借助肖像技術發展起來的一種新的寫實油畫。 超寫實油畫最大的特點是油畫更加準確和寫實，這與寫實油畫的“古典美”並不矛盾，也不衝突。

“古典美”一詞通常是指 14 至 16 世紀歐洲文藝復興時期形成的一種油畫風格。 當時，在經歷了一千年的黑暗中世紀之後，人們希望看到古希臘和羅馬文學藝術輝煌的再現。 藝術家高舉復興古希臘、古羅馬文化藝術的旗幟，以古希臘、古羅馬古羅馬古樸、端莊、優雅的雕塑畫畫為基礎，創作了大量寫實油畫，形成了油畫早期的藝術風格。

這種油畫被稱為古典主義油畫。 它所表現的美也被稱為“古典美”。 比如李奧納多·達·芬奇的《蒙娜麗莎》、《麗達與天鵝》、拉斐爾的《聖母子》、《格蕾絲三美人》等都是體現古典美的典範作品。

由此可見，“古典美”是油畫的一種表現風格，它取決於油畫的題材和表現形式，而不是它是一種什麼樣的油畫，也不僅僅存在於古典主義寫實油畫中。 印象派油畫和抽象油畫也可以體現古典美。 例如，馬奈的《草地上的午餐》和提香的《田園合奏》都有同樣的效果。

雷諾瓦的《沐浴女郎》系列既有強烈的印象派色彩，又有明顯的古典美感。 抽象大師畢卡索和超現實主義大師達利的一些作品也頗具古典氣息。

超寫實主義油畫也是如此，既可以創作出具有時代特色的現代油畫，又可以創作出具有古典美感特徵的油畫，這取決於藝術家選擇什麼樣的題材和表現形式，在創作技巧上沒有問題。

是的，油畫大膽細膩，需要仔細閱讀，慢慢品味，才能知道其中的內涵。

超寫實風格的油畫，不折射古典美，而是大膽表現現代、流行、年輕、活躍的美。

不。 這種風格的畫過於嚴謹，沒有舒適感。

西方古典油畫的經典表現在寫實主義上; 典型情節和典型人物的創作; 透視和光的明暗被合理使用。

1.現實主義。 體現典型情節和塑造典型人物，將是透視、光明和陰影。

明智地使用它。 並帶有神話色彩。 雖然畫中的人物和場景充滿了神話色彩，但大部分人物和場景都是基於現實的。 畫中的場景和人物都很美，非常逼真。

2.典型情節和典型人物的創作; 在古典油畫的藝術觀念中，不僅要描繪花生的東西。

事實上，它也應該能夠揭示事件的因果關係。 典型情節、典型人物的塑造，有利於事件的揭露。

3.合理運用透視、明暗。 透視通過構圖賦予畫面深度。 光影的使用不僅準確。

物體的存在狀態，有利於畫家情感的表達。

如果你對藝術和攝影有一點了解，你就會知道攝影和繪畫之間的區別。

高精度攝影可以拍出物體的鏽斑和毛孔，如果使用補光或一些色調調節手段，可以拍出很有藝術感的**。

繪畫是完全按照作者的創作思路，作者就是要把眼睛觀察到的一切呈現在畫布上，包括無法拍攝的色彩和區域性結構特徵，以及作者自己對所描繪物件的理解和分析，更極端的是，無法拍攝的區域性微小色彩變化，用畫筆一一表現出來。 所以我們會看到一些人物畫，甚至看到**下的每一根頭髮和血管，以及一些靜物中的一些小斑點或殘缺。 這些東西能不能被看到，就看作者了，就算是高畫質攝影也很難做到。

但攝影是十九世紀的產物，在此之前，人們只能通過繪畫在視覺上記錄任何東西。 十九世紀，歐洲的山水畫和靜物畫得到了很大的發展。

寫實主義源自波普藝術，旨在通過繪畫的手段，將所描繪的物件完全冷靜客觀地表達出來，甚至忽略物件本身的情感，而是追求對物件的每乙個細節進行完整而清晰的表現。

如果將這類作品與真品進行比較，不難發現，其實這類作品在細節上超越了那件作品，在質感分析、色彩和明暗對比方面比第一部更加細緻和鮮明。

如果非要和**對比的話，你還是會發現，寫實主義作品是帶有作者創作情感的畫作，而**的情感多體現在觀眾體驗的延伸上。

應該說，這是攝影和繪畫最大的區別。

正因為如此，從藝術的角度來看，這種寫實主義繪畫具有完全的存在價值。

超寫實油畫誕生於60年代的美國。

我認為超現實主義油畫存在的意義在於以下兩點：

1.由於上個世紀攝影術的出現，藝術家們開始選擇避免在藝術語言上與客觀物件重疊，繪畫的價值從再現客觀現實轉向純粹的語言探索。 然而，由於抽象藝術的壟斷，出現了對抽象藝術的反抗，人們希望找到新的方法來打破抽象藝術的主導地位。

他們抵制的主要原因有三個：1.抽象表現主義盛行時，一些藝術家或多或少是機會主義的，他們的畫作是浮躁的。 2、隨著抽象主義的盛行，藝術與大眾的距離越來越大，逐漸走上了精英主義的道路。

3.藝術家希望藝術的技術性能夠被大家重新認識。

2.藝術家們想用一種冷漠的、機械的語言，即“人造自然”來描述當時的社會，而以相機般的方式細緻呈現物體，正好符合這種意識形態內容，於是出現了超現實主義。 它表達了後工業時代城市的擴張和人們的心態。

麻木、冷漠、缺乏人情味的狀態。 它給人以強烈的視覺衝擊力。

十字架，自畫像

這個問題本身其實有很多爭議，我個人的看法是，有道理，但不是很大。

首先，在現代西方藝術中，人們普遍認為繪畫的價值在於影象的創造，而不是對影象的描摹。 因此，如果你畫乙個蘋果，這幅畫的意義不是蘋果，而是你如何去畫乙個蘋果。 這就是建立乙個影象，而你用蘋果建立的影象是獨一無二的。

雖然超寫實主義油畫在“用超寫實作品畫一幅畫”的屬性上也獨樹一幟，但現代攝影技術在很大程度上可以接近甚至取代此類作品。 這大大削弱了超現實主義繪畫的意義。 （只是被削弱了，沒有完全消除）。

當代藝術概念的另一點是行為本身具有力量。 就算超寫實主義的油畫真的和**一模一樣，那麼別人用拍攝的手段來獲取影象，而我則用油畫的方式來獲取影象，這種行為本身就有張力，很難複製，畢竟不是每個人都能畫到這種程度。 當然，這是我個人從當代藝術的角度對超寫實主義的解讀，相信超寫實主義的大師們並沒有用這種態度來作畫。

第三點是技巧本身是有意義的，不可能每個人都能把一幅畫到如此逼真的水平。 當然，這涉及到個人的意義，而不是圖片本身的意義。

當然，最後我想說，以上只是我個人對這種繪畫方式的一些看法，至於某物有意義與否，不能一概而論，超現實主義繪畫或者繪畫本身涉及很多哲學範疇和作者個人的觀點，和同樣的超現實主義關注繪畫也大不相同， 在做出決定之前應該詳細而深入。

超現實主義是為畫家自身存在感的尊嚴而生的，在相機出現之前，西方繪畫和雕塑已經展現了畫家對客觀食物的認知，並取得了令人矚目的成就，自1839年相機問世以來，繪畫的視覺功能就被取代了，許多人不再在家中放置油畫， 但另類攝影作品，畫家為了生存，必須畫出與相機不同的東西，後來的畢卡索梵谷和蒙德里安是人物的先驅。然而，有這樣一群人，他們沒有創新精神，對繪畫沒有更多的哲學思考，他們從發展的浪潮中游了回來，回到了相機和繪畫PK的時代，堅信自己的畫筆比相機更準確，但不幸的是。

他們花了300個小時，在3/1000秒內畫出一幅被相機拍到的照片，成本也就不大了，而這種超寫實主義只是純粹的作秀，我覺得這種畫風的意義在於工匠精神，是告訴人們做事的態度和毅力。 但沒有其他含義。 這種畫風也只有那些不知道怎麼做的人才會將其視為寶藏。

形狀逼真，逼真，顏色具有裝飾性，例如拉斐爾·安格爾（Raphael Ingres）的作品。

“寫實主義”油畫又稱寫實主義油畫，與印象派油畫和抽象油畫並列，被稱為油畫藝術的三大流派。 其中，寫實油畫是油畫中最早、影響最大的創作手法和表現手法。

現實主義油畫是隨著油畫的產生而產生的，並一路發展到頂峰，直到今天。 從15世紀西方油畫誕生，以達文西、公尺開朗基羅、拉斐爾等為代表的文藝復興時期的油畫大師，開創了古典主義寫實油畫，到19世紀安格爾、德拉克洛瓦、布傑羅等藝術家創立的新古典主義寫實油畫，再到20世紀六七十年代在西方走在先的超寫實主義油畫（又稱寫實主義油畫）世紀並風靡全球，寫實主義油畫始終引領著油畫作為油畫創作主流的發展方向。

寫實主義油畫的最大特點是寫實主義。 就是用油畫工具、材料和創作手法，從藝術審美的角度真實地反映客觀形象，給人一種真實、細膩、完美的視覺體驗，並通過繪畫主題的表達、情感的表達、畫面的美感等，給人靈魂的共鳴， 理性思考，精神愉悅，美的享受。

寫實主義油畫的另乙個突出特點是，它幾乎完全是人為地描繪和表現主題和主題。 從達文西的《蒙娜麗莎》到喬爾喬內的《沉睡的維納斯》，從安格爾的《春天》到布格羅的《心靈的覺醒》，再到德拉克洛瓦的《引導人民的自由》，再到格威德的《雅典娜女神》等等，無論是宗教題材還是神話題材，還是歷史文化題材，還是人文情感題材，無一例外，人都是表達主題的主體， 思想和情感。

我們在現實主義繪畫中看到了什麼？ 應該說，不同時期的寫實油畫反映了不同時期的社會生活內容。 文藝復興時期的寫實油畫讓我們感受到一種衝破封建宗教神學桎梏、崇尚人文主義的人文主義精神和感情，十九世紀的寫實油畫讓我們看到了資本主義進入成熟期後社會的變遷和動盪以及人們的精神變化， 而當代寫實油畫，讓我們看到了當今的社會景觀和時代精神。

藝術終究是藝術，無論創作於哪個時代，表達什麼樣的題材，唯一不變的就是藝術美的特徵。 寫實油畫600多年的發展歷程，讓我們看到了最多或給我們最大的感受：美。

看到細節的豐富性，以及其場景和人物展示和觸動人們心靈的力量。

我看到了作家所看到的，作家通過現實主義油畫描繪了他所看到的。

看到了白色的手臂和藝術品。

我見過一些目前公認的中國裝飾界大師，他們的崇拜者也認可裝飾，但他們不在美術的範疇之內。 這種區分非常嚴格，藝術並不屬於所有大眾，就像愛國電影不適合一些不愛國的人一樣。

正負矛盾是不可調和的，真假矛盾也不能調和。