古典音樂的歷史意義，古典音樂的思想

古典主義時期對此後的歷史發展做出了重大貢獻，因為正是在這一時期誕生了三種重要形式——交響樂、弦樂四重奏和鍵盤奏鳴曲。 雖然古典主義在貝多芬去世後被新的浪漫主義所取代，但這三種重要形式並沒有滅絕，而是在浪漫主義時期得到了進一步發展。 特別是，交響樂是一種新的音樂形式，在短短幾十年內由維也納古典學派的三大巨人塑造、完善和加強。

此外，奏鳴曲、室內樂、器樂協奏曲、歌劇等形式在古典時期也有了很大的發展。 當然，這也得益於當時樂器製造業的技術進步，也正是在這一時期，樂器之王“鋼琴”終於初具雛形，被廣泛使用。

在古典風格**中，對比的概念是乙個基本特徵，如奏鳴曲形式的描述，其中“強烈”的第一主題與通常克制的第二主題形成鮮明對比。 在巴洛克晚期有許多著名的例子，其中強烈對比的概念非常重要。 例如，在亨德爾的清唱劇和歌劇中的戲劇合奏中。

另一方面，作品也可以在古典風格的範疇中找到，其中為了追求連貫的表達，在某個樂章中幾乎放棄了對比的概念：亨德爾的交響曲和弦樂四重奏中的許多樂章被認為是單主題的，或基於單一主題。 有時它們可能會表現出動態對比，但實際上保持了材料的統一性，這與我們對古典風格的簡單理解相矛盾。

在莫扎特早期的一些鋼琴協奏曲中可以找到其他例子，其中存在流動性和旋律運動。

如果要區分古典和巴洛克結構的標準，那一定是調製或調性的使用，這是作品的戲劇元素。 古典作曲家開發了一套新的表達技巧，用於使用不同的調性，文字的平衡。 例如：

海頓四重奏樂章中的大部分新奇之處都來自於聽眾的注意力被引導到聽到某個調，但聽到另乙個調。還有節奏上的新奇和旋律上的新奇，但表達這種新穎性的乙個重要方式是通過音調之間的對比。 我們不必像19世紀的批評家那樣過度理性化，但只要我們抓住了這種音調構圖的本質，古典風格的基本動力就很清楚了。

我們可以立即看到它的範圍有多廣，因為音調協調的可能性範圍非常大; 但它是有限的，因為豐富的色彩和聲尚未發展起來，色彩和聲迅速發展成為一種主導浪漫主義的技術。

由此可見，古典風格雖然是一種既能表達強烈激情的情感，又能抒情豐富的情感的表現力，但總是受到約定俗成的限制。 在18世紀末，偉大的作曲家們受到這些慣例的主持，但始終遵循它們，從某種意義上說，古典風格比任何正式的描述都更重要。

古典音樂是指可以從 18 世紀最偉大和最著名的作曲家海頓、莫扎特和貝多芬那裡聽到的那些風格。

“古典”一詞本身就包含了平衡、適度、簡單和精緻的概念。 例如，這些概念可以用於“古典”建築中，但它們不足以表達古典風格，古典風格可能具有暴風雨般的氣勢和複雜的內容和形式。 簡而言之，古典風格是指可以從 18 世紀最偉大和最著名的作曲家海頓、莫扎特和貝多芬的**中聽到的風格。

那麼，將它們與巴洛克風格和隨後的浪漫主義區分開來的基本要素是什麼？

古代最著名的是維也納古典學派，維也納古典學派最著名的三位作曲家是海頓、莫扎特和貝多芬，他們成為“三巨頭”。 這三位大師生活在同乙個時代，彼此有親戚關係——比他小24歲的長子莫扎特和海頓是相互尊重的朋友和知己; 貝多芬是最小的，在他來到維也納向海頓學習後不久，他還參加了比他大14歲的莫扎特的聚會，那天莫扎特對貝多芬的才華感到驚訝，並預言這個年輕人將來會有所作為。 與科斯特前三部作品集都是大型幻想曲和變奏曲不同，這本**收錄的都是相對細膩簡單的素描，寫作時間是科斯特作曲活動的高峰期。

這部電影中最重要的作品，也是科斯特職業生涯的經典之作，是第 38 號的“25 首練習曲”。 該書於1873年首次出版，是結他史上罕見的練習曲集，除了少數作品專門針對技術實踐外，大部分作品都具有豐富的和聲、部分性、旋律性和高貴的風格。 有人將科斯特的練習曲與蕭邦的鋼琴練習曲相提並論，但儘管它們也是在浪漫主義時期創作的，但科斯特的作品在技術難度方面可能更好。